Cómo perder el miedo a pintar con acuarela

 

En este artículo se demuestra cómo el miedo a estropear es lo que contribuye a que no avancemos cuando nos enfrentamos a un papel blanco. Muchas veces, el abuso de detalles innecesarios en nuestra obra es fruto de ese miedo. A partir de un retrato doble demuestro cómo se puede superar el temor a que algo no nos salga. También explico en donde está el origen de eso que nos sucede y nos impide hacer lo que nos gusta.

En  múltiples ocasiones es necesario romper nuestra obra. Tenemos que atrevernos a admitir que nos ha salido mal. El artista siempre está preparado para el fracaso. Pero no olvidemos que también está preparado para el éxito. 

Éxito es una palabra que viene del latín y significa "salida". El artista es aquel que siempre tiene una salida. Esas salidas o soluciones ante coyunturas o encrucijadas es lo que caracteriza a la mente creativa. La mente creativa no es la que está todo el día creando. Es, entre otras cosas, la que aporta varias soluciones a un dilema, problema o encrucijada. Por tanto, estamos preparados para el fracaso, pero también para encontrar salidas, soluciones diferentes que pueden llevar al éxito.  Una de las puertas del éxito es la constancia.

Para afrontar ese miedo a hacerlo mal, he seleccionado esta pintura de retrato.  Tú te preguntarás: ¿ Un retrato? ¿Lo más difícil?

Precisamente es difícil porque tenemos miedo a qué pensaran, a ser juzgados, a estropear lo que es naturalmente bonito, no porque realmente sea más difícil que otros motivos. 

A lo largo de las fotografías se puede ver la evolución de esta pintura. A base de manchas arriesgadas, se puede llegar. Se llega.

Te lo explico.

A mis alumnos, a los que conozco y a los que no.

Retrato de Paula y Luís
Figura 1 -  Final
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El miedo es una emoción aprendida que nos pone en alerta de los peligros.  Nos ha permitido sobrevivir a lo largo de los siglos. Ante un hecho, ser viviente amenazante, o cualquier situación que ponga en riesgo nuestra integridad, se desata. Es la emoción que nos pone en movimiento, bien haciéndonos huir, bien enfrentándonos al peligro. Etimológicamente, emoción viene del verbo latino: emovere, ex movere, mover hacia fuera, remover, sacar de un lugar. Si esto lo llevamos a nuestro papel blanco, el miedo a emprender una nueva obra de arte, o simplemente nuestra pintura, significa que muchos artistas lo sienten o han sentido. Es algo común que a veces percibamos esa aprensión al vacío, un concepto filosófico inherente a nuestro ser. Y también un temor a estropear lo que está bien como está. 

El miedo al vacío nos puede conducir por dos caminos: A que nunca empecemos la obra que tenemos en la cabeza, es decir, a que huyamos con la consiguiente frustración futura. O, a que le hagamos frente al blanco del papel y nos pongamos manos a la obra asumiendo el riesgo de que nos salga mal. Sinceramente, creo que es mejor asumir el riesgo. Vivir con la frustración de no emprender nunca aquello que nos apetece hacer es peor.

Hay muchas personas que han sentido alguna vez la necesidad, o sencillamente la ilusión de pintar y expresarse. Y se les ha cortado su impulso. Ha podido ser porque la dedicación al arte nunca se ha considerado tan rentable como otras, me refiero al pequeño arte -claro -,  y es más fácil orientar a las personas hacia otras vías. También porque algunos educadores, sobre todo antiguamente, denotando una gran falta de pedagogía o desconocimiento de las artes, a partir de cierta edad machacaban el impulso de expresión artística. Lo hacían sin tener en cuenta que hay técnicas que enseñan a desarrollar esa necesidad, más común de lo que parece. Las artes nos mejoran a todos los niveles. Y no es necesario vivir de ello. Se puede alternar con otras profesiones.

La frase que ilustra esto que explico sería: Mira qué mal te ha salido, o No se parece nada, al original, se refiere. Alguna persona de las que me leen lo habrán escuchado en la infancia o durante su adolescencia. Y es frustrante. Está mal enseñado. Lamentablemente, por las personas que han llegado hasta mis clases, a las que he conocido y he intentado ayudar en su proceso de aprendizaje, creo que se sigue enseñando bastante mal esto de pintar y dibujar.

Hasta que el niño tiene edad de aprender matemáticas se le tiene entretenido con colores y lápices, básicamente para que no nos moleste. Si se aburre, se le dice: Ponte a pintar. 

A partir de la “gloriosa edad de las matemáticas”, a ese mismo niño, al ser descubierto pintando se le dice: Deja de hacer el tonto y ponte a estudiar. 

Me imagino que muchos os reconocéis. Es un contrasentido y algo que frustra mucho sin base psicológica o pedagógica alguna. Pintar es un método de expresión que mantiene en equilibrio nuestras emociones, no solo el miedo, todas las emociones: Ira, ansiedad, alegría, miedo, tristeza o melancolía. 

Ese equilibrio casi imposible entre:

1.- Lo que sucede y los otros - lo que llamamos el universo exterior.

2.- Lo que nos sucede y nosotros - el denominado universo interior.

Ese equilibrio es lo que se pone manos a la obra cuando nos movemos en el espacio artístico.

Cuando pintamos, desarrollamos la concentración, la observación, la discriminación, la memoria, la precisión, el deleite, y así muchísimas bondades que nadie debe frustrar. Es compatible con la ingeniería, la arquitectura, la medicina, la administración, las leyes, el comercio, la informática, la neurociencia, la física, el marketing.  ¿ O es que las personas que estudian y desarrollan todas estas ciencias no tienen universo interior?

¿ Son robots? ¿ No tienen necesidad de expresarse? 

Unos mundos se nutren de otros y no se excluyen. Pongo como ejemplo la publicidad, que tiene entre sus pilares el estudio del círculo cromático, los colores y sus complementarios. Sin el estudio del arte y sus técnicas, es imposible que nos hagan comprar algo.  Observad los anuncios de la televisión, los del universo digital. Todo está estudiado, y en la base están los colores.

Han llegado hasta mí muchas personas, ya adultas, que no admitían ningún tipo de corrección al principio, o simplemente sufrían ante la enseñanza de técnica para solventar sus obstáculos a la hora de expresarse plásticamente. Muchas de ellas me han explicado la razón: No vengo a que me corrijan, ya me han machacado suficiente. Ya me machacan suficientemente.

Yo, ante eso, con toda la humildad, he tenido que aprender desde el principio cómo conseguir que las personas recuperen seguridad en algo que es innato y tienen frustrado: expresarse, sea pintando o cantando o dando brazadas en una piscina. 

Ha habido jardineras y jardineros que querían aprender a pintar los jardines públicos que atendían. Estas personas pintaban con una sensibilidad, con una comprensión de la luz y sus efectos, diferente al resto. También he tratado a pintores de obra que deseaban saber acerca del mundo del color y el pigmento. Y expresar. No sólo pintar paredes según los gustos de sus clientes. Me llamaba la atención cuando pintaban algunos militares, que olvidaban rígidos protocolos, ingenieros y arquitectos que querían desdibujar la exactitud de sus mundos, matemáticos con los que he discutido y aprendido sobre perspectiva, químicos - verdaderos acuarelistas - junto a los que he buscado la razón por la que un rosa permanente y un verde esmeralda  mezclan como un gris oscuro. Ni los químicos ni yo hemos encontrado la respuesta. Y eso que uno de ellos era catedrático. Pero también he conocido médicos con necesidad pictórica. ¡Muchos médicos! ¡ Muchísimos! Siempre han sido grandes humanistas. Saben de vida, de cuerpos, de rostros, del corazón, de los huesos, sus funciones, su clínica, incluso sus dibujos, pero lo que aprenden al pintar con acuarela es que una oreja, a veces, puede ser una mancha rosa de agua y rojo de cadmio. Lo podréis comprobar a continuación. Los espacios de tiempo en que pintaban todas estas personas, con las que he desarrollado tardes de mesa inolvidables, eran ratos de concentración en pintar. Y en ellos. Algo que resulta de gran importancia para los que nos cuidan, su autocuidado, el de su mente y su universo interior.  He tenido alumnos que eran profesores, necesitados de aprender. Los profesores son ordeñados por la sociedad, y necesitan alimentarse continuamente, dedicarse. Pero también he tenido parados, estresados, economistas, restauradores de arte y de restaurantes, pobres y ricos y niños, personas muy mayores, muy jóvenes, esteticistas, maquilladores, oculistas, incluso una persona inválida de piernas y brazos, que escuchaba, y cuyo brazo ejecutor era la persona que le cuidaba y lo acompañaba a clase. ¿ Quién ha aprendido más? ¿El que enseña o el enseñado? Al final el cuidador le cogió gusto a pintar.

Lo cierto es que casi todo el mundo, con profesiones o sin profesiones, viene con miedo a pintar, a exponerse ante el resto, ante el profesor, ante sí mismo. 

Ayudar a perder ese miedo a la expresión es una de las tareas más difíciles y que más satisfacciones me ha dado a lo largo de las clases y, casi, de mi vida. Porque he visto muchas personas que no se creían capaces de ello y lo han  conseguido. Y hoy me escriben agradecidas. Pintar también es terapéutico.

En el caso de este artículo, un doble retrato, quiero abordar una tarea que parece muy difícil. No digo que sea fácil, pero hay técnicas para perder el miedo a estropear o, simplemente a hacerlo mal. No os quedéis con las ganas de retratar a alguien que os gusta, o a quien queréis, por miedo. No os limitéis a pintar la taza, el plato, la manzana o el árbol. Atreveos con las personas, el retrato. Las personas y sus universos son lo más alto que se puede pintar.

Voy paso a paso con imágenes. Si queréis hacer un retrato doble, o simple, os aconsejo que cojáis una foto, o del natural, y sigáis las pautas. Sin miedo.

Lo primero como siempre es dibujar. Hacerlo de una forma muy sencilla, sólo dejando claro en nuestro dibujo las líneas maestras y las grandes manchas de claros y oscuros. Como podéis observar en la figura 2, el dibujo es muy sutil, con una mina 2H para que no ensucie mi papel, a prueba de bomba. Aquí dejo la referencia por si estáis interesados:

Canson Aquarelle. Grano Grueso. 300g Bloc Encolado 4L 31x41. 20 Hojas.

Las acuarelas que veis en godet, no son en pastilla, son de tubo, y las meto en los pocillos. En este caso he utilizado acuarelas Van Gogh, una caja con una buena relación calidad precio. También dejo la referencia. 

Caja de Acuarelas de tubo Van Gogh. 10 colores.

En cuanto a las acuarelas de formato redondo, en realidad son gouaches muy básicos, muy antiguos, pero que siempre andan danzando por mi mesa porque son incombustibles y nunca se acaban. Son de la marca PeliKan y tienen 40 años sin poner ningún año. Es una herencia. No se han estropeado, ni les ha salido moho, ni se despigmentan.  A mí me parecen los “gouaches milagrosos”. Van camino de más generaciones. Y no son ni siquiera de calidad profesional. No sé de qué están hechos, quizá me lo puedan decir algún día mis alumnos químicos.

Hemos dibujado. Enseguida empezaremos a pintar a base de manchas de color que se irán sobreponiendo. Haced más grande la foto para que podáis observar bien:

Retrato de Paula y Luís
Figura 2 - Dibujo y primeras manchas
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Como veis, esa mancha de piel ha entrado en toda la cara. Solo he salvado los dientes, ni siquiera los ojos. El blanco de los ojos ¿Qué es eso del blanco de los ojos? No tengáis miedo, manchad.

Retrato de Paula y Luís
Figura 2 -  Los tonos de la piel
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Hay algo que sí hay que observar y discriminar. Si son dos personas, como sucede en este caso, hay que tener en cuenta la tonalidad de la piel desde el principio. En el caso de Luis y Paula, he observado que la piel de él es mucho más transparente, de tonalidad más fría que la de ella. Y eso lo marco con la tinta inicial. Figura 2. Observad la tonalidad. La piel de ella es más anaranjada, la de él, más fría, más rosácea.

Retrato de Paula y Luís
Figura 3 - Esbozo del foco de luz y la sombra proyectada
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En este nivel, ya tenemos la primera capa de la mancha uniforme inicial (figura 4)  y otra más. En esta segunda fase, he dado una aguada con las sombras principales, a grandes manchas. Esbozamos ya la luz, su dirección y su mayor o menor fuerza. Hay que observar bien. El sol está entrando por la izquierda y es fuerte, por lo que pómulos y el lado soleado de las respectivas narices solo tienen una capa. Es la luz máxima, y ahí ya no entro con una segunda capa de acuarela. La luz es la transparencia del blanco del papel en la técnica acuarelística. Ampliad la foto. Hasta aquí son manchas, si ampliamos no tienen mucho sentido, aunque lo tendrán. 

Retrato de Paula y Luís
Figura 4 -  Final
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Los dos son muy morenos, y lo que te pide la mano, sobre todo si estás empezando, es abordar la personalidad de esa melena de ella, la fuerza del pelo de él, su profundidad. Pero todo va despacio en acuarela. Pintamos de menos a más, y menos siempre es mejor. No lo olvides. De momento, él tiene un color de pelo más frío, más azulado. Y ella es igual de morena, pero su color es más cálido. En esta mancha inicial dejo apuntado esto, los matices, las diferencias. Vosotros tendréis que hacer lo mismo con las personas que retratéis o esbocéis. No dejéis de abordar preguntas como las que siguen ¿Quién tiene el tono de piel más frío? ¿ Quién tiene el color más oscuro? etc.

Podemos observar desde aquí, en este nivel, todas esas diferencias entre los dos. Están marcadas. Ellos ya se van pareciendo, están ahí, pero pero no hay detalles, es como si salieran de la atmósfera. Eso es pintar con acuarela: Salir de la atmósfera. Miguel Ángel decía que él no esculpía sus figuras, que las figuras estaban dentro de la piedra y él quitaba lo que sobraba. Pues al pintar, pasa algo parecido, las cosas, las figuras, el mundo circundante, sobre todo en el mundo de la acuarela, sale poco a poco de la atmósfera.

Para perder el miedo hay que huir de los detalles. Hay que ir subiendo la tonalidad poco a poco. La acuarela va creciendo de claro a oscuro casi siempre. Y cada vez que entono o dejo apuntadas luces y sombras, me llevo el papel lejos. Lo veo a distancia progresivamente, mientras me alejo caminando hacia atrás paso a paso, no perdiendo la vista de mi acuarela. Así podemos comprobar si la luz funciona, si las diferencias de tonalidad funcionan, si el dibujo y la expresión de cada uno funciona. Sin miedo. La acuarela es tan transparente que los oscuros, al final, darán los detalles descriptivos de los dos y redibujarán. No te preocupes. No podemos empezar poniendo los oscuro. Esto es una técnica y un conjunto de normas. 

- Las normas están hechas - a veces-, para saltárselas -me puedes decir.

Pero sólo a veces. Cuando ya sepas la técnica, deshazte de ella cuanto y cuando quieras. Mientras tanto aprende técnica.

Otra cosa que apunto sobre el miedo, en este caso a la hora de abordar la acuarela, es que, al ser agua, nos parece que todo se va a correr y que pintaremos un pantano verdoso, no una cara, no una flor, no un vaso de agua transparente. Pero, precisamente porque es agua, si nuestro papel es bueno, con el pincel y agua limpia podremos quitar pigmento. Si nos pasamos, es la forma de borrar acuarela, con pincel y agua, sin apretar con el paño al quitar los restos. Borramos. No tengáis miedo. No es tan irreversible como parece y como dicen. Y es uno de los miedos más grandes a la hora de emprender una acuarela, lo que más he escuchado en horas de clase y estudio: Pintar con acuarela es muy difícil porque no se puede borrar. 

¡No es cierto!

Retrato de Paula y Luís
Figura 5 - Perder el miedo a pintar dientes
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Fijaos en la figura anterior, aquí ya no le debéis tener miedo ni al blanco de los dientes. Porque el blanco no existe. Es una mayor o menor luz. Y, de momento es una aguada gris, observad. Es un gris. Con eso le habréis perdido el miedo a pintar los dientes, algo muy común. En cuanto a los labios, son parte de la piel de la cara. Irán subiendo de tono, pero son piel, no algo ajeno al resto del rostro, forman parte del mismo. Es un dibujo sobre otro dibujo, un tono sobre otro tono.

Retrato de Paula y Luís
Figura 6 -  Final
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Veamos aquí. Figura 6. He seguido dando tono a la cara de Luis. El cuello, por ejemplo, tiene mucha más intensidad de tono que el pómulo. Y, además, tiene esa barba que apunta de los hombres morenos. Está ahí, aunque vaya afeitado. Se transparenta. Para conseguir esto aplico una aguada suave de  Azul Ultramar con Siena Tostada sobre la zona de barba. Aunque no haya barba, esa zona es más azulada que el resto de la cara. En cuanto al cuello de Paula se va oscureciendo con nuevas manchas. Además, en este punto dejo apuntadas las flores sobre su cabeza. Lo hago para no entrar ahí con el oscuro de su pelo. Es una forma de recordatorio: No entres aquí con los castaños, aquí hay flores. Paula lleva una diadema floral, y no quiero que esa mancha de rosas se ensucie. 

En cuanto al vestido, es azul. Pero solo quiero enfocar la luz. Mas oscuro en la parte inferior, más luz en los azules superiores. ¿Qué miedo puedo tener en manchar con azules? ¿ Por qué tener miedo? Las manchas azules, al final son vestido.

Retrato de Paula y Luís
Figura 7 -  Un ojo sin ojo. Un ojo es una pincelada.
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La luz es tanta, que en la parte de nariz y pómulo de Luis solo hay una capa. Figura 7. Redibujo con azul ultramar pestañas. Mira hacía abajo, a Paula. Sonríe. Si expandís la foto, el ojo no es más que una línea de Ultramar Azul sobre Siena Tostada. El globo ocular no se ve desde mi posición, y además sonríe bastante. Con todo, en el efecto global es un ojo, y además el de Luís. Tiene los ojos muy azules, pero no se le ven. Figura 8. Dejo traducido ese matiz muy azul en las pinceladas.

Retrato de Paula y Luís
Figura 8 -  Matices de los ojos
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En cuanto a Paula, he intentado expresar su mirada, aunque es difícil por expresiva y profunda. El miedo a reflejarla se quita pensando que, al final, lo que expresa su mirada se traduce con una mancha de luz/sombra. Es algo extraño, pero que resulta. Tanto ella como él tienen ojos de unos colores excepcionalmente diferentes. Preciosos como órgano. Pero no me he querido quedar ahí, mi acuarela sería mucho peor que una fotografía y que sus ojos en la realidad. En cambio, la mirada de una persona es un paso más allá. No son nada fáciles en este sentido. Pero no voy a tener miedo. No lo olvides. Pintad y  no tengáis miedo.

Retrato de Paula y Luís
Figura 9 -  No pintemos ojos, pintemos miradas.
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Fijaos bien. Expandid la foto. Figura 9. La mirada queda reflejada en una mancha. Ahí están sus ojos, y lo que va más allá de un ojo. Pero no hay blancos, ni negros. Ni el blanco es blanco, ni el negro es negro. Hay claridades, oscuridades o profundidades. 

Hay que cambiar la forma de pensar. Los artistas nos movemos en la visión estética, no la habitual.  La mirada de ella es una franja horizontal que dejo secar hasta dar más detalle. Ahí ya perdéis el miedo a los ojos, con esa base. A continuación, cuando esté seca la mancha horizontal, con el mismo tono pardo, abordaremos las líneas de párpado y expresión, las cejas. Es todo el mismo tono. Figura 10.

¡Aquí, ya está Paula!

Están los dos mirándose:

Retrato de Paula y Luís
Figura 10 - Pintar miradas
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Faltan detalles, pero ya nos vamos animando. Ya lo veréis, haced la prueba. Lo decía al principio. Si tenéis miedo a estropear, parad en el momento en que salte la personalidad del retratado. No insistáis en los detalles.

Pero, falta tono en la frente y la oreja de Luís. Por efecto del sol rebotando, esa oreja estaba desdibujada.

Os lo decía antes. Son los oscuros los que dibujan. Es el momento. Debemos interpretar que una oreja son estas manchas en este tipo de pintura. No hay más. El miedo lo produce que sabemos que una oreja, por lo que hemos estudiado, es mucho más que una mancha. Tiene conducto auditivo, y huesos, tímpano… Esa es la percepción habitual, lo que sabemos. Pasemos a la percepción estética. Da el salto. No pintes todo lo que sabes. Pinta lo que ves. No tengas miedo.

Pinta lo que ves: ¡ Manchas!

Para un pintor, las orejas no oyen, no escuchan. Son parte del dibujo de una cabeza, importantísimas en la forma y personalidad de cada persona. Pero no oyen, recuérdalo y no tengas miedo. Pinta manchas y  no un órgano que escucha. De esa forma perderás todos los temores. Figura 11.

Retrato de Paula y Luís
Figura 11 - Pintar una oreja con acuarela
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 ¿ De verdad que esto es lo que nos han enseñado que es una oreja?

Salta al vacío y pinta lo que ves. Resumiendo mucho, es la forma de pintar de la ESCUELA GESTALTICA ¡No tengas miedo a pintar lo que ves y pintarás bien ¡ Tengo un artículo dedicado a esto. Te dejo el enlace.

 Con los labios voy haciendo lo mismo. Fijaos en los de ambas figuras. Figura 12. Son capas de rosados sobre rosados, o sobre rojos, o sobre azules en el caso de Luís. Desde el principio hemos visto que sus tonos son más fríos que los de Paula.

Retrato de Paula y Luís
Figura 12 - Pintar labios con acuarela
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Y vamos con el pelo, manchado en sus matices desde el principio. Nuevas capas de oscuro. Son pinceladas sólo. Más oscuras y más capas en donde entra menos luz. Redefinamos el pelo. Figura 13.

Retrato de Paula y Luís
Figura 13 - Redefinir el pelo
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Y lo mismo con las telas. Menos capas en donde entra más luz:

Retrato de Paula y Luís
Figura 14 - Redefinir las telas
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Al final algunos detalles y nuevas capas para ajustar luces y sombras. Detalles: las flores, la corbata, las manos. Nuevamente son manchas extrañas de color si las miramos aisladamente, pero no en el global del retrato.

Observemos las flores sobre el  pelo. Manchas de carmines, de verde esmeralda, de rosa permanente, con azules y gris de Payne.

Retrato de Paula y Luís
Figura 15 - Detalles
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Veamos ahora en detalle. ¿ Qué son las uñas? ¿ Y el nudo de una corbata? ¿ Y un ojal?

Son manchas de color. Sin detalles. Pinta lo que ves, no lo que sabes. Eso que sabes te impide avanzar. Da un salto. Figura 16.

Retrato de Paula y Luís
Figura 16 - Pintar lo que vemos, no lo que sabemos
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En cuanto a la luz del sol rebotando sobre la camisa, es el máximo de luz, y es el blanco del papel. No os quebréis. La luz es el blanco del papel. Ahí no entréis ni con agua limpia. Observa la figura anterior.

Todas esas manchas de color, juntas, van dando un resultado. Como por arte de magia.

Retrato de Paula y Luís
Figura 17 - La magia está en la suma de manchas de acuarela
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Pero no es magia.

Es técnica y no tener miedo.

También es que son muy guapos, y se miran con verdadero pegamento existencial. ¡A ver cómo se pinta eso! Figura 17.

Al final, si te gusta el resultado, a pesar de todos los miedos, firma tu trabajo.

Retrato de Paula y Luís
Figura 18 - Firma con pincel
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Retrato de Paula y Luís
Figura 19 - Final del puzzle. Las manchas cobran sentido.
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Libros de la autora: 

La Cuestión 106 - Novela

Con Dos Rombos - Novela

Treinta y siete minutos en el atasco - Novela

Bárbara de Braganza - Biografía Histórica

El Fantasma de Cervantes

  

 

 

Cómo pintar VACAS en 5 pasos

 © Macarena Márquez Jurado

En este artículo se dan las consignas para pintar una vaca con acuarela en 5 pasos. Pintar animales es un reto. Cada uno de ellos tiene su carácter, su postura, una particular forma de moverse en el espacio o de prestar atención. No tienen palabras, así que sus silencios son muy largos y observables. Eso es lo que me atrapó de esta vaca. Su forma de prestar atención, su cabeza arrimada a la sombra en un día caluroso de primavera.

Cómo pintar vacas en 5 pasos
Acuarela de Macarena Márquez
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Vaca a la sombra. Fotografía de Sofía Rico.

Es la primera vez que pinto una vaca. Prefiero pintar personas, la verdad. Pero ésta en concreto es una vaca atenta, que mira con una tranquilidad seductora.

Para insertar en este blog el momento de estallido primaveral, la mirada de la vaca y su estar en el mundo, haré varias consideraciones que acompañarán el proceso paso a paso de esta acuarela. Es lo que más me pedís siempre, los pasos, la traducción de la realidad. Podéis seguir el proceso al mismo tiempo que lo explico y pintar vosotros mismos.

Paso 1 Pintar una vaca

No me propuse pintar una vaca. Encontré una vaca. Lo fácil es pintar una con manchas blancas y negras. Al menos es más fácil que una como ésta en que la piel es más o menos homogénea. El contraste del blanco y el negro es un recurso que ayuda mucho a la hora de pintar, más a la hora de pintar una vaca.

Me llevé un cuaderno de bocetos que me gusta mucho cuando salgo al exterior. Es de papel de gramaje 170 g. y tiene unas medidas adecuadas para llevarlo encima 14,8 x 21 cms. A ello se suma que tiene portada y contraportada de cartón fuerte para poder apoyar. Y lo mejor, unas grandes anillas -no es encolado- que permiten pasar de hoja sin estropear alguna. Dejo aquí la referencia, utilizo muchos tipos de blocs y gramajes, pero para este tipo de excursión, me encanta éste, con su tapa dura tipo lienzo natural. Es para boceto con acuarela suave, no admite mucha agua, pero sí técnica mixta, es decir, que puedes utilizar rotuladores acuarelables, crayons, tinta china o acuarela, pero siempre con poca agua. Para trabajos más elaborados, es necesario más gramaje. Os dejo el enlace a Amazon por si interesa: Bloc encuadernado con gusanillo - Papel cartridge - 170 gsm -  Artway Enviro - 35 hojas - Apaisado

Y ahora, a pintar, lo primero que hice después de terminar el dibujo, muy esquemático, fue dar una base de azul ultramar aguado a toda la zona de sombra. Poco pigmento y poca agua. Esta suave aguada es una forma de cohesionar todos los elementos que están en nuestra composición. Hay algo que riega o que unifica todas esas cosas y que al final, cuando hayamos acabado, dará como resultado eso que llamamos ambiente, la atmósfera. En este caso concreto, ese ambiente lo da el azul ultramar de base. Muchas veces nos detenemos en el detalle y al final tenemos composiciones frías, en donde todos los elementos aparecen cada uno en su espacio y universo. Esta reflexión es importante. La vaca no es únicamente la vaca, en realidad es una tonalidad, una mancha inserta en otras manchas, otros dibujos. Todos los elementos de un cuadro están insertos en una atmósfera. Eso es algo que unifica. Para no atascarnos con detalles y al mismo tiempo perder el miedo al papel blanco, hagamos la mancha. Azul.

Cierra un poco los ojos y observa la foto, de ese modo aislarás perfectamente las sombras de las luces. Plasma con una mancha azul lo que tú creas que está en sombra, o lo que quieras que quede en sombra. Puedes pensar que no es una vaca blanca y negra, sino más bien sin manchas, pero que lo que no es de ninguna manera es una vaca azul.

Cómo pintar una vaca paso 1
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No te preocupes. PINTA AZUL. Da el salto. Te sorprenderás de llegar a la vaca, y, sobre todo, a ese ambiente de primavera. Observa la mancha. Y olvida todos los miedos. 

El azul utilizado y recomendado, como se puede observar en el enlace anterior, es el Azul Ultramar de Winsor y Newton. Un tubo de 14 ml. de acuarela profesional. Cuando se está empezando, no todos los colores de nuestro material tienen que ser de clase A, pero en el caso del Ultramar, yo siempre recomiendo una buena marca y en su vertiente profesional. Es un tubo que dura bastante y que tiene gran permanencia.  El azul es la base de la atmósfera y de todos los matices agrisados de nuestra paleta. Es el aire, es el mar, y mezclado es la tierra. Podemos invertir un poco más en él. 

Paso 2 Pintar una vaca

Voy a ir entonando los verdes. A la izquierda de la composición tengo azules, si ahora meto amarillos,  ya tengo verdes. Observa. El mismo amarillo de la franja superior es el de la franja inferior de vegetación. En este paso vuelvo a la fotografía. Entorno los ojos hasta tenerlos casi cerrados y compruebo que el punto de máxima oscuridad es el tronco y la parte inferior izquierda. Hay otros oscuros, pero poco a poco. De momento doy otra capa de azul ultramar a ese tronco que define el primer plano. Y con un poco de Gris Payne, doy otra capa en el tramo de montaña que hay sobre la vaca y en el extremo inferior izquierdo. Oscurezco desde este paso las orejas de la vaca. Pongo el papel vertical. Me interesan esas gotas de azul de las patas de la vaca.

Cómo pintar una vaca paso 2
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Paso 3 Pintar una vaca

Me doy cuenta de que, para conseguir ese ambiente de sombra en primavera, bastante cálido, tengo que ir consiguiendo que la vaca deje de ser una entidad azul para empezar a ser una vaca. Para ello utilizo el siena tostada. Al mezclar con los azules, consigo grises terrosos. Así voy acercando planos y dando volumen al cuerpo de la vaca. Oscurezco la cara. Con ese Siena Tostada mezclado con Verde Hooker pinto algunas zonas de vegetación a la derecha, en la base de la montaña. También entono el suelo con una base muy suave de Ocre Amarillo y Verde. Doy una pincelada al ojo izquierdo y nuevos oscurecimientos a orejas, morro y pezuñas.

Cómo pintar una vaca paso 3
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Paso 4 Pintar una vaca

Sigo metiendo oscuros. Es la hora de ponerle cuernos a la vaca. Con sienas. Con ese mismo Siena Tostada y Gris Payne hago un oscuro. Necesito algunas pequeñas manchas que den contraste y dibujen. Con un poco de arte, describo alguna línea en la pata izquierda, debajo de la panza de la vaca. También mancho el ojo derecho. Sin pasarme de oscuridad o sólo habrá ojos en esta acuarela. Observo al alejar mi papel que la parte izquierda de la cara de la vaca se pierde. Hago un verde muy oscuro y pinto esa especie de vericueto calado, que hace que la cara resalte, aunque todo está dentro de la sombra. Debajo está el detalle de este paso.

Además, voy añadiendo pinceladas de color Siena Tostada al tronco del árbol. Dejo que el agua caiga. Pongo el papel vertical para ello. Me gusta el efecto de la gotas de pintura que caen y se secan lentamente. En ellas está la máxima acumulación de pigmento. Y siempre aportan algo de sorpresa cuando se evapora el agua.

Cómo pintar una vaca paso 4
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Cómo pintar una vaca paso 4 -  DETALLE
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Paso 5 Pintar una vaca

Este paso es muy importante. Hasta que la vaca no proyecte su sombra, no habrá luz en mi acuarela. Esa sombra la defino con una mancha de Siena Tostada que, en realidad, como se puede observar, es una continuación de la mancha de las patas.

 

Cómo pintar una vaca paso 5
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Cómo pintar una vaca paso 5 - DETALLE sombras
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Resultado

Y aquí está la vaca, muy atenta. Es mi traducción de la realidad. Si observáis el fondo superior, hay más vegetación y menos montañas. En tu caso debes pintar y seleccionar lo que quieras, y traducir con tu estilo. Yo he querido que se vea la atmósfera que une todos los elementos, que esa atmósfera sea azul, que la sombra cálida la llenen amarillos y sienas. Creo que mi vaca es más guapa que la real y que sus ojos son más grandes. Pero su mirada sigue siendo tranquila y atenta. Quizá eso es lo que hoy nos falte.

En cuanto a la primavera, llega todos los años.

Cómo pintar una vaca. Resultado proceso paso a paso
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El Fantasma de Cervantes

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